Rumble Fish, The Warriors y Quadrophenia, tuvieron el acierto de representar a ciertos sectores marginados de la sociedad: los jóvenes.
Al igual que Santa Fe, situada en la Alcaldía Alvaro Obregón, las historias emergentes y de una grave falta de oportunidades para los jóvenes, se replicaron a lo largo y ancho de todo México entre los años 1977 y 1985.
Los colectivos de bandas juveniles, los llamados chavos banda o la banda (como se suele llamar entre compas), fue un fenómeno social de gran calado, estudiado por decenas de antropólogos y que han sido tema de varios libros, reportajes e investigaciones.
Pero en el cine, tres destacadas producciones cinematográficas de los años 1979 (Quadrophenia y The Warriors) y Rumble Fish (1983), mostraron al público mexicano (y a los jóvenes y bandas) que el fenómeno de la ruptura generacional no era exclusivo de México.
En estas tres producciones, se encontraron los elementos existenciales y sociológicos que podrían dar un acercamiento para comprender el contexto de los jóvenes durante esas dos décadas.
La marginación, la falta de oportunidades, el desempleo, la música rock como vínculo, la falta de espacios culturales, la violencia, las drogas, el alcoholismo y la violencia por parte del Estado, fueron los retos que enfrentaron millones de jóvenes. Aunque muchos sucumbieron.
A continuación, presentamos un esbozo de cada una de estas películas que tuvieron el acierto de acercarnos a una cultura juvenil distinta, difícil, pero que forjó, a punta de violencia, a los jóvenes de una generación, que actualmente, tiene la edad para hacer una profunda reflexión sobre esos años.
Rumble Fish: La poesía de la postviolencia
El legendario cineasta Francis Ford Coppola, quien dio vida a películas como “El Padrino” y “Apocalipsis”, recientemente compartió cuál es su película favorita de su propia filmografía. Coppola dijo que Rumble Fish (La Ley de la Calle, que dirigió en 1983, se encuentra en el corazón de sus preferencias.
La película, que está basada en una novela de S.E. Hinton, es un drama juvenil ambientado en medio de conflictos y búsquedas de identidad. La película presenta un estilo distintivo con elementos narrativos únicos en un mundo audiovisual y emocional distinto.
“Alguien debería dejar a los peces en el río” es una frase se parece mucho al reportaje del mexicano Sebastián Apodaca que intituló “Llegando a la esquina soy un pez en el mar” que publicó Unomásuno en 1982 sobre los chavos banda en Santa Fe.
Pero la frase de personaje Motorcycle Boy (Mickey Rourke ) “Alguien debería dejar a los peces en el río” no ha perdido actualidad ni su simbolismo.
Pelear hasta caer
El héroe y hermano mayor de Rusty James (Matt Dillon), con su gesto desencantado, duro y su chamarra de cuero, hace referencia a los pececitos del título de la película (Rumble Fish), que, atrapados en una pecera en un negocio de mascotas, evita que se peleen a matar.
La película en blanco y negro y con música original de Stewart Copeland (The Police) de hace 35 años, es parte de la historia que escribió S.E. Hinton, que parte inicialmente de un personaje secundario y mediocre (Rusty James), quien es un joven enamorado que sueña y quiere ser el líder de una banda de jóvenes, pero se topa con la oscura realidad que ha vivido su hermano mayor, curtido en pleitos, broncas, drogas y mujeres, y que ahora ve la vida con un vitral distinto. Desde una pecera distinta.
Motorcycle Boy regresa de California cuando nadie lo esperaba. El ex líder de pandillas pesadas, “las que fueron arruinadas por la droga”, ahora se encuentra en un mundo, y en un barrio, donde no puede ser lo que quiere ser, ni lo que su hermano menor lo deja ser. Trae un vacío existencial. Ya probó de todo y logró sobrevivir. Pero su hermano menor quiere revivir la violencia e intentar revivir los tiempos de los jóvenes violentos.
Tu hermano “tiene una percepción distinta del mundo”, dice el padre borracho de su hijo pródigo (Dennis Hopper), “pero no es un loco”.
La película contiene secuencias surrealistas con nubes corriendo apresuradas reflejadas en la ventana del billar de Benny (Tom Waits), y cuenta con coreografía peculiar de un pleito con navajas, donde Motorcycle Boy, en defensa de su hermano, le deja ir una motocicleta a más de 100 kilómetros por hora al chavo que le está dando una golpiza a su bróder, casi matándolo.
Motorcycle Boy sabe que ya no tiene espacio en el barrio, porque un viejo polizonte lo espera para matarlo. Pero en el fondo, sabe que su vida ya dio lo máximo. A él nadie puede contarle de excesos, de amores, de sexo, de amigas, de bandas ni de rebambarambas colectivas.
Se sabe preparado para la muerte, pero en el fondo, le duele el lugar que tendrá su hermano tonto que cree que ser líder en una banda juvenil, donde los demás le reclaman que nunca podrá ser como su hermano.
Motorcycle Boy muere liberando a los peces, y liberándose a sí mismo de la carga de los remordimientos por todo lo que hizo como pandillero. La película se vuelve a colores cuando él muere.
The Warriors: El regreso imposible
The Warriors, filmada de la ciudad de noche, en medio de los vagones de los viejos trenes grafiteados de Estados Unidos, comienza con la reunión en un parque con todas las pandillas que buscan discutir un plan regional para dominar las calles.
El argumento se centra en la pandilla “The Warriors”, quienes son injustamente culpados por el asesinato del líder que los había convocado.
A partir de ahí, decenas de pandillas los persiguen por todo el bajo Manhattan, Bronx y otros barrios, para llegar a su barrio, en Coney Island, que se vuelve una especie de tierra prometida.
La película es un clásico de culto que sigue conservando una intensidad que permanece inalterable al paso de las décadas. La novela de Solomon Yurick, logró crear una fábula existencialista sobre las bandas neoyorkinas donde confluían violencia, cuestiones morales, de pertenencia, sociales y la supervivencia de cada ser humano dentro de un capitalismo en decadencia.
Inspirada en una tragedia griega
Yurick, comunista y antimilitarista, se inspiró en la legendaria “Anábasis” griega de Jenofonte, y la escribió cuando fue trabajador social en New York, donde conoció un gran número de jóvenes que ejercían y vivían de la delincuencia callejera.
El líder de los “Gramercy Riffs”, Cyrus (Ciro en “Anábasis”), convoca a otras pandillas callejeras para ofrecer una tregua a la violencia entre ellos, formar una gran fraternidad y convertirse en dueños de New York, contra las leyes de los corruptos y la brutalidad de los policías.
El sueño de Cyrus, cae a pedazos cuando líder de los “Rogues”, Luther, dispara contra él y lo mata. Cunde el caos, la policía aparece y el asesino culpa a los “Warriors”, quienes tienen que escapar a toda prisa de New York.
La cacería frenética se da a través de una distópica sociedad dominada por la violencia, donde los “Warriors” pelean, y lo harán con palos, navajas, bates, botellas rotas y sus puños para regresar a casa, que logra mostrar en parte cuando un hombre es rebajado a un cúmulo de miedos, odio y rabia.
En la película, los civiles son sólo parte de una sociedad que les ha dado la espalda (recordar las miradas de asco que la elegante pareja lanza a Swan y Mercy en el metro).
Dar patadas
Con actores desconocidos pero talentosos, que encarnan bien sus personajes, destacan Michael Beck (Swann), James Remar, David Harris y el repulsivo David P. Kelly, que se lleva la frase más mítica de la película (¡Warriooors!, ¡vamos a jugaaar!…). ¿Quién luego de ver la película no pensó ser un guerrero, ponerse su prenda distintiva de la banda y salir a dar patadas?
Con una una fotografía de nivel, años después se haría otra versión, “The Warriors: Ultimate Director´s Cut” que incluye unos dibujos en la introducción, así como en ciertos pasajes de escena a escena y un recorte de minutos en su parte media que brinda más dinamismo. La violencia también forma parte fundamental del film y los enfrentamientos y persecuciones están bien realizados y coreografiados.
La película avanza con un guion sencillo, donde los protagonistas tienen que llegar del punto A al B, vivos. La narrativa es simple, pero muy efectiva y de gran ritmo. El viaje en metro (de Coney Island hasta el Bronx), con imágenes de bandas, y líneas de diálogo de los Warriors hablándonos adónde van y quién es ese tal Cyrus, son excelentes.
Según testimonios, la película fue un rodaje de alto riesgo, ya que tuvieron que contratar a una banda callejera real para proteger el equipo. La película nos lleva a un viaje de 32 kilómetros contra decenas de enemigos, como si fuera un cómic.
¿Por qué conectamos con la película? Porque no se trata de una pandilla de héroes que rescata a las personas por el camino. Es una banda callejera que sólo quiere salvar el pellejo y su honor. Pero ese honor, lealtad y valentía que demuestran, les da carisma y hace que sintamos ganas de llegar a Coney Island. La película destaca una especie de «héroe colectivo» que vencerá a Los Turnbull AC’s, a Los Huérfanos, a los Baseball Furies, a Las Lizzies o los Rogues.
Quadrophenia y el quiebre existencial
Liam Gallagher, el excantante de Oasis, suele afirmar que le hubiera gustado interpretar el papel de Jimmy Cooper en Quadrophenia (1979), quien lo actuó Phil Daniels.
Dirigida por Franc Roddam, Quadrophenia es una ópera rock homónima que realizó la banda de rock británica The Who en 1973 y que lleva al espectador a la Londres de 1964, cuando dos bandas juveniles rivales (los “mods” y los “rockers”), deshacen toda una ciudad portuaria con sus broncas.
Es un argumento simple: Jimmy y sus cuates, para ser una pandilla bien trajeada, adicta a pastas y enfundada en sus scooters (o chamarras rompeviento británicas), ser un mod es una forma de vida, y significa pertenecer a una generación. La banda de Jimmy se va a Brighton, dispuesta a vivir una salvaje aventura de drogas, emociones y madrinas campales contra los rockers.
El director, Franc Roddan dijo: “Es una cinta británica sobre la clase trabajadora. Si estás en el norte y vas a Mánchester o Liverpool, hay una fuerte crítica de clase trabajadora. Los habitantes se ven a sí mismos como un grupo tribal, ven la injusticia social y hay cosas que aceptarán y unas que no. A la gente le gusta ver su propia experiencia en una película”.
El largo viaje hacia mí
La idea de la película fue rastrear el relato de un mundo de juventud que se ha perdido, superado y reemplazado por nuevas modas que cambian la estética y comportamientos, pero que dejan atrás los valores universales.
Como su música, Jimmy, el protagonista, se volcará en un doloroso viaje existencial para tomar conciencia de su verdadero yo, a través de superar pruebas, heridas, la traición de su chica, superar y comprender el afecto al trabajo de Ace (Sting), la capacidad de resistir hasta sanar su vida del dolor, antes de sucumbir mental y quizás físicamente, a morir prematuramente.
Este largo viaje lo lleva a la estrellas (Love Reign O’er Me ) a través del sufrimiento (enfrentamientos entre y contra su propia banda, el rock, el sexo, la traición, la falta de comunicación y el rechazo a los padres).
Quadrophenia fue un viaje por las cuatro caras del álbum de vinilo o una suerte de escenario para un esquizofrénico con cuatro personalidades.
Quadrophenia fue la primicia en el rock para agregar efectos ambientales grabados al aire libre y las voces separadas más allá de las de los miembros de la banda. El camino del personaje de Jimmy, doloroso pero catártico -el canto del cisne para una “tribu” juvenil inglesa en los créditos finales- termina en la roca de The Rock.
Desde ahí, entre las aguas que cubren una parte al final de la tierra -de donde se dice que surgió la vida- se mezclan los acordes con las aves que se elevan en el cielo, como el símbolo de un renacimiento.
La canción “Love, Reign O’er Me” pone el sello triunfal de la obra maestra, ya que si lo ves, “sólo el amor puede hacer llover”.
Un dato interesante es que siempre se pueden unir los 30 segundos del inicio de la película con los 30 segundos finales y verse una y otra vez.
El protagonista, Jimmy, es una especie de antihéroe, y además, un ícono representativo del mundo mod que se desvaneció en los años 60 en medio de tono gris de la niebla londinense.
Durante años, Quadrophenia tuvo la extraña suerte de ser un disco y una película con su maldición y acierto para descubrirnos obras (y personas) demasiado adelantadas a su tiempo, o demasiado sofisticadas para ser apreciadas por quienes, en masa, necesitan una emoción inmediata o personajes facilones y chafas.
Como dato curioso, el disco Quadrophenia se editó poco en Italia y en Reino Unido debido a la escasez de petróleo en esos años, y por ende se hicieron pocos discos de vinil prensados, debido al embargo de petróleo de la OPEP que significó un número limitado de copias disponibles en tiendas.
Para los que quedamos vivos, esperamos que el amor siga reinando sobre nosotros.
Las bandas juveniles han sido cíclicas en varias etapas de la vida social en nuestro país. Hay más películas que retratan el fenómeno, pero en el fondo, se trata de una reacción a la incomunicación entre padres e hijos.
La Biblia nos invita a reflexionar sobre nuestro rol como padres e hijos:
Efesios 6:4: “Padres, no hagan enojar a sus hijos con la forma en que los tratan. Más bien, críenlos con la disciplina e instrucción que proviene del Señor”.
También nos da un exhorto a que nos busquemos unos a otros, como en Malaquías 6:
“Él hará volver el corazón de los padres hacia los hijos, y el corazón de los hijos hacia los padres, no sea que yo venga y castigue la tierra con maldición”..
Finalmente, a los que vivimos esa época, y supimos del abandono emocional y físico de nuestros padres, la Biblia nos pide hacer un esfuerzo de perdón, lo cual nos hace trascender la rabia, el abandono y las ganas de revancha o violencia:
Lucas 6:37
“No juzguen, y no se les juzgará. No condenen, y no se les condenará. Perdonen, y se les perdonará”.
El perdón es uno de los actos más solitarios, valientes y trascendentes en la vida de un joven que ha sido violentado por alguien. Es un acto de voluntad, no se siente, pero cuando se hace, se llega a la paz.